Actualités de l'ethnomusicologie

Job offer
30 Months Post-doc position in Ethnomusicology at the Instituto de Etnomusicologia, Música e Dança (INET-MD), NOVA University of Lisbon, Portugal

A Post-doc position will be soon available at the Instituto de Etnomusicologia, Musica e Dança (INET-MD), New University of Lisbon, Portugal ( The successful candidate will work on a project entitled HELP-MD “The Healing and Emotional Power of Music and Dance," funded by the Portuguese Science Foundation (FCT, Total funding: €239.881,43) and led by Dr. Filippo Bonini Baraldi (Principal Investigator, PI) and Dr. Salwa Castelo Branco (Co- PI). The position is available for 30 months, starting April 1st, 2019.

The successful candidate will hold a temporary position as associate researcher following Portuguese regulations (work contract including social security benefits, rather than scholarship). Salary will be 2.334,30 euros/month (after taxes). Candidates are invited to send a cover letter describing qualifications and interest in the research topic, a CV, and contact details for two referees. Please send application documents as a single pdf to Dr. Filippo Bonini Baraldi ( before December 31st, 2018.

Project description :

Can we explain the power of music and dance to prevent and even treat illness? In Western societies, this question is of great concern to cognitive scientists, who investigate the impact of music on basic human faculties such as memory, emotions and corporeal abilities in persons affected by different types of diseases (Alzheimer's, autism, etc.). Ethnomusicologists, who focus on the cultural diversity of musical expressions, may offer an important contribution to this emerging field by describing how the relation among music, dance, and health regulation is conceived of in other cultural contexts and performance settings (rituals, religious ceremonies, profane feasts, etc.) Although the scientific literature reports a large variety of these descriptions, no attempts have been made so far to compare data across cultures and musical genres, and to link qualitative field observations with quantitative laboratory experiments. By establishing an interdisciplinary team of scholars working in the fields of ethnomusicology, cognitive sciences, and music computing, this project aims to fill this gap.

The first aim is to develop an anthropological theory of the emotional and healing power of music. Given the large dissemination of non-scientific beliefs on the use of music as a therapeutic tool, our purpose is to show rigorously what type of relations music maintains with illness prevention and treatment in a wide range of world cultures. By sharing ethnographic accounts coming from our respective fields, we will address the following question: Can we find, in different musical and cultural contexts, similarities in the ways music is used for healing purposes?

The second objective is to develop an innovative methodological framework for exploring the relation among music, emotions and health regulation in a specific study-case, that of Maracatu de baque solto, a Carnival performance occurring in Pernambuco (Brazil). In order to prevent spiritual and physical attacks that may result in illness and eventually death, Maracatu musicians and dancers act to achieve a high level of group cohesion locally known as consonância (consonance), a valorized human and aesthetic value which is opposed to desmantelo (fracture, breaking up). While field-research in Brazil will explore the symbolic, religious and emotional meanings of Maracatu, laboratory experiments in Lisbon will be held in order to understand, at a more formal level, how consonance is achieved through the interplay of music and dance.

The successful candidate will hold a temporary position as associate researcher following Portuguese regulations (work contract including social security benefits, rather than scholarship). Salary will be 2.334,30 euros/month (after taxes).

Candidates are invited to send a cover letter describing qualifications and interest in the research topic, a CV, and contact details for two referees. Please send application documents as a single pdf to Dr. Filippo Bonini Baraldi ( before December 31st, 2018.

6th Symposium of the ICTM Study Group for Multipart Music

23‑27 September 2019
Sarajevo, Bosnia and Herzegovina

Call for papers


PLACE: Academy of Music, University of Sarajevo, Bosnia and Herzegovina.

LANGUAGE: English.



  1. Emotion and aesthetic experience during the performance act

During the performance act, as the core moment of the music and dance making process, the protagonists try to 'materialize' and transmit ideas and ideals in the 'here and now'. Such a situation is experienced in a particularly intense way. This is the case all the more in multipart music and dance practices, in which individual ways of music and dance making, embedded in specific multi-sensorial and polysemic processes (Lortat-Jacob 2011), have to be well coordinated. Furthermore, the very act of making music and dance personifies social values. This means that the protagonists also perform social relationships, which are constructed in the very act of representing them (Cook 2016). In this framework, issues of emotions and aesthetics as conscious experiences and cognitive processing gain a special importance, especially because of the mutual dependence between cognition and elicitation. Emotions have been characterised as complex processes in which a non-cognitive 'affective appraisal', which is fast and automatic, causes subsequent physiological responses, motor changes, action tendencies, and changes in facial and vocal expression (Robinson 2005). Experienced emotion is felt to a stronger degree if several factors are present. In turn, aesthetic experience is considered as a psychological process in which the attention is focused on the object while all other objects, events, and everyday concerns are suppressed (Cuochik and Winston 1996). In this sense the connection between emotions and aesthetic experience and issues of expression and communication is very strong and remarkably relevant for multipart music and dance practices.

In this symposium we want to focus on the role of emotions and aesthetic experience in the act of performance and on the question of how the protagonists conceive of these issues.

  1. A capella singing

A capella singing is a very widespread music typology in contemporary music making. Basically, a capella means without any instrumental accompaniments. The definition is used for different music outcomes, from monodic to large choral performances. In this context, some special traditions have been developed, including forms of highly specialized music, like the typical American so-called Barbershop quartets. Based on three voices harmonizing to the melody of a fourth voice, these quartets achieve a high level of harmonic complexity, often using written music as a source. In other a capella traditions the performers contemplate the vocal imitation of instruments, in the style of the famous Mills Brothers, who were among the first to popularise this music style in the 1930s. On the other hand, many a cappella groups have great success within popular music, performing both original compositions and covering famous songs, like the recent case of the Pentatonix or the well-known group of The Swingle Singers.

We would encourage papers on this topic in interdisciplinary approaches, also from the perspective of popular music studies.

  1. 3.      New research

Dear colleagues,

We are pleased to announce that the 6th Symposium of the ICTM Study Group on Multipart Music will take place from 23 to 27 September 2019 Academy of Music, University of Sarajevo, Bosnia and Herzegovina. The head of the local organising committee will be Jasmina Talam.

We invite proposals for individual presentations, panels and round tables. They are to be sent by email before 28 February 2019.

The text should be pasted into the body of the email and also sent as a Word.doc or Rich Text Format (RTF) attachment to assure access. Please label all communications clearly with your full contact details.

Please note that participants are limited to a single presentation.

Please indicate clearly your preferred format. If members have any questions about the program, or the suitability of a proposal, please contact the Program Chair and ask for assistance. Colleagues are advised to bring alternative modes of presentation delivery if using PowerPoint, DVD, and so on in case of unexpected technical difficulties on the day of presentation.

Research papers should be based on original research that address the conference theme and should not have already been presented. Papers should be designed and presented to take no more than 20 minutes, including audio-visuals.

Students, who feel that they are not yet in the position to present a full-length paper, are welcome to give short presentations (10 minutes) of their project, in order to get feedback.

Individual Presentations

Accepted presentations of individual members will be grouped by the Program Committee into sessions of one and a half hours. Each presentation will be allotted 20 minutes inclusive of all illustrations, audio-visual media or movement examples, plus 10 minutes for questions and discussion.

Please, submit an abstract of 250-300 words outlining the content, argument and conclusion, and its relation to one of the symposium themes. Please include the type of illustrations to be used in the presentation, such as slides, DVD, video (including format), and so on.


We encourage presentations in the form of panels.

Proposals may be submitted for panels consisting of at least three presenters. The structure is at the discretion of the coordinator. The proposal must explain the overall purpose, the role of the individual participants, and signal the commitment of all participants attending the conference. Each panel proposal will be accepted or rejected as a whole.

Please, submit a short summary (not exceeding 300 words) of the panel overview, and an individual paper proposal, as described under "Individual Presentations" above, for each presenter. All of the proposals for a panel should be sent together. Proposals should address one or more aspects of the established themes of this symposium.


We also encourage presentations in the form of roundtables: sessions that are entirely planned, coordinated, and prepared by a group of people, one of whom is the responsible coordinator. The aim is to generate discussion between members of the roundtable who present questions, issues, and/or material for about 5 minutes on the pre-selected unifying theme of the roundtable. The following discussion, at the convener's discretion, may open into more general discussion with the audience.

The total length of a roundtable will be one and a half hours inclusive of all discussions.

Proposals may be submitted for a roundtable consisting of 3-5 presenters, and the structure is at the discretion of the convener who will chair the event. The proposal must explain the overall purpose, the role of the individual participants, and signal the commitment of all participants to attend the symposium. Each roundtable proposal will be accepted or rejected as a whole.


Please note that the Program Committee will only consider proposals by current members of the ICTM in good standing. Please contact Ardian Ahmedaja ( for membership in the Study Group. Members may join and submit a proposal at the same time. Membership applications are available at the ICTM website For membership questions, contact the ICTM Secretariat (

Where to send the proposals?

Ardian Ahmedaja


Program committee:

Ardian Ahmedaja (Chair)

Ignazio Macchiarella

Žanna Pärtlas

Jasmina Talam

Notification for acceptance/rejection will be announced by 28 April 2019.

If you have a deadline for funding applications for travel, accommodation, and so on, please notify the Program Committee of your deadline date.

Local Arrangement Committee:

Jasmina Talam, Tamara Karača Beljak, Fatima Hadžić, Lana Paćuka, Mirza Kovač

Costs: It will be no registration fee.

Participants are responsible for travel and accommodation expenses.

CDI (ou Détachement) à pourvoir à partir de janvier 2019
Ce poste est ouvert aux fonctionnaires appartenant à des corps ou cadres d'emplois ayant vocation statutaire à
exercer des missions de conservation ou d'autres missions scientifiques liées aux collections dans les Musées
nationaux ; et aux chercheurs confirmés (niveau doctorat) spécialistes du patrimoine musical et culturel non-
Le Musée national de la musique est un des départements de l’établissement public national de la Cité de la musique
- Philharmonie de Paris. A la fois lieu d’exposition, de recherche, d’animation pédagogique, de manifestations culturelles et de documentation, le Musée s’appuie sur une importante collection d’œuvres et d’instruments de musique. Il possède un rayonnement international et exerce auprès du Service des Musées de France un rôle de conseil et d’animation du réseau des collections publiques dans le domaine de la musique.
Le Musée dispose d’une Equipe Conservation-Recherche comprenant un laboratoire, d’un centre de documentation partagé avec le Pôle ressources, d’un service des activités culturelles et d’un service des expositions, ainsi que d’une équipe administrative et de surveillance.
L’Equipe Conservation-Recherche fait partie du CRC (Centre de Recherche sur la Conservation), unité de recherche du CNRS, du ministère de la culture et de la communication et du Muséum national d’histoire naturelle. Elle est également membre fondateur du Collegium Musicæ au sein de Sorbonne-Universités, et est membre de la Fondation des Sciences du Patrimoine.
Sous la responsabilité de la directrice du Musée, le/la conservateu/trice participe à la mise en œuvre du projet scientifique et culturel du musée. Il/elle coordonne les missions de conservation et de restauration relatives à son corpus, ainsi que l’inventaire et la documentation des œuvres. Il/elle cherche à enrichir les collections et à en assurer le rayonnement, en participant au travail de médiation, en collaborant – en tant que commissaire ou conseiller– aux expositions temporaires, en contribuant à la programmation culturelle, ainsi qu’au travers de projets de recherche, de publications et d’interventions publiques au sein de la Philharmonie ou à l’extérieur. Il/elle joue aussi un rôle de conseil auprès des collections publiques liées à la musique et à l’organologie, et contribue à l’animation d’un réseau de partenaires et de professionnels liés à l’instrument de musique (musiciens, luthiers,
facteurs, acousticiens...).
Périmètre scientifique :
– Le/la conservateur/trice est en charge de la conservation, de l’étude, de l’enrichissement et de la diffusion d’une importante collection d’instruments et d’objets liée aux cultures musicales non-occidentales.
– Il/elle encourage l’intégration de ce corpus dans une histoire culturelle élargie, en dialogue avec l’art contemporain et/ou les musiques actuelles.
Activités :
Contribuer à la gestion de la collection :
– en assurant une veille sur l’état de la collection, en identifiant et en suivant les opérations de restauration et de conservation préventive, en collaboration avec le laboratoire, les restaurateurs, les facteurs et les luthiers ;
– en assurant les travaux de récolement et leur suivi ;
– en supervisant, en collaboration avec la Régie, les mouvements d’œuvres (accrochages, prêts, convoiements).
Mettre en œuvre le projet scientifique et culturel de l’institution :
– en enrichissant la collection suivant la politique d’acquisition définie par l’établissement ; en rédigeant la documentation préalable à l’acquisition ou aux interventions en commission ;
– en animant la politique de diffusion des collections de l’établissement (prêts et dépôts) ;
– en formulant des préconisations pour le jeu des instruments et en assurant le suivi de celui-ci (concerts, enregistrements...) ;
– en effectuant des recherches à caractère scientifique pour enrichir la connaissance sur la collection, en collaboration avec le laboratoire, la médiathèque et la direction éditoriale de la Philharmonie ;
– en collaborant aux projets culturels (programmation musicale ou événementielle, expositions, colloque...) en relation avec les services concernés.
Valoriser son expertise et faire de son périmètre d’activités un pôle d’excellence et d’innovation :
– en assurant une mission de conseil auprès de la DMF ou d’autres instances publiques (instruction des avis de sorties de territoire, expertises sur des collections musicales d’autres musées
– acquisitions, conservation préventive, restauration, muséographie...)
– en participant à des actions de formation ou d’enseignement ;
– en publiant sur la collection ;
– en participant à des instances scientifiques et culturelles nationales et internationales, et notamment en contribuant à l’animation des réseaux de chercheurs officiellement associés au Musée de la musique (CRC et Collegium Musicae);
– en développant des réseaux professionnels ou des partenariats ;
– en proposant de nouvelles orientations de développement.
– Connaissance de l’organologie et de l’histoire des musiques non-occidentales ;
– Intérêt pour l’ethnomusicologie ;
– Expérience professionnelle souhaitée dans le domaine des musées et de l’histoire de l’art;
– Intérêt pour les pratiques artistiques et/ou musicales actuelles ;
– Maîtrise de l’anglais exigée et d’une autre langue étrangère souhaitée.
- Sens du service public ;
- Capacité d’initiatives et force de propositions ;
- Goût du travail en équipe ;
- Capacité à dialoguer et à coopérer avec les partenaires professionnels internes et externes.
Les candidatures (CV + lettre de motivation) sont à adresser à la Direction Ressources Humaines de la
Cité de la musique -
Philharmonie de Paris par mail «»
ou par courrier
au 221 avenue Jean-Jaurès 75019 PARIS.
La Cité de la musique –
Philharmonie de Paris a obtenu le double label «égalité professionnelle entre les hommes et les femmes » et « diversité». A ce titre, elle met en place une politique de prévention des discriminations dès la phase de recrutement.
Elle vise également à promouvoir la diversité en élargissant le réseau de diffusion de ses offres d’emploi et de stage.
Appel à candidature pour le prix des publications
Dans le cadre de sa mission de grand département pour les arts extra-européens et de soutien à la recherche en anthropologie et histoire des arts, le musée du quai Branly décernera 5 prix de 6000 euros chacun à des textes publiables ou publiés dans des revues scientifiques portant sur les collections extra-européennes des musées de France.
Ces textes doivent être rédigés en français ou en anglais, et compter entre 50 0000 et 60 000 signes. Ils seront lus par un comité de sélection suivant les critères des revues scientifiques. Ils doivent être envoyés avant le 1er novembre 2018 à :
Les résultats seront communiqués le 1er décembre.
Les articles récompensés en 2017 sont les suivants :
Guillaume Alévèque, « Remnants of the ‘Wallis Maro ‘ura’ (Tahitian feathered girdle): History and Historiography », The Journal of Pacific History, 53:1, 2018, p. 1-24
Margot Duband , « La collection kanak de Marius Archambault. Les objets de musée comme image d’une mission scientifique en Nouvelle-Calédonie » (à paraître)
Arnaud Morvan « Trajectoire d’une donation. La collection Madeleine Rousseau au Musée des Civilisations de Saint-Just Saint-Rambert » (à paraître)
Mélanie Roustan, « Des usages de l’autochtonie dans les musées français », Culture et musées, n°28, 2016, p. 151-175

Appel à propositions de la revue

Date limite de soumission : 15 septembre 2018

couv dorondel


Né il y a plus de trente ans dans les ghettos noirs américains, le hip-hop s’est progressivement détaché de son premier contexte d’émergence et a circulé d’un bout à l’autre de la planète. Incluant diverses disciplines (rap, Djing, danse, graffiti), ainsi qu’un ensemble d’esthétiques et de valeurs, ce mouvement culturel a connu une diffusion sans précédent (du fait notamment de l’émergence concomitante de nouvelles technologies d’information et de communication). Dans le monde entier, des jeunes se sont identifiés à cette forme esthétique, contribuant à l’apparition de ce qui est parfois décrit comme une « nation hip-hop globale » (Spady et al. 2006). Si rien ne semble a priori distinguer un rappeur américain d’un rappeur cubain, un breaker new-yorkais et un breaker français – ils partagent les mêmes goûts vestimentaires et musicaux, adoptent les mêmes postures corporelles, se reconnaissent dans un même « style culturel » –, la globalisation du hip-hop n’a pourtant pas été synonyme d’homogénéisation culturelle. Des recherches anthropologiques conduites dans différentes régions du monde ont montré que ce mouvement a fait l’objet d’une grande diversité de réappropriations et de réinterprétations locales. Le hip-hop a chaque fois été réinventé au sein de formes de vie locale et pris sens dans des cadres d’expériences spécifiques (Milliot 1997 ; Condry 2000 ; Mitchell 2001 ; Fernandes 2003 ; Pardue 2004 ; Niang 2006 ; Moulard-Kouka 2008 ; Alim et al. 2009 ; Ailane 2011 ; Aterianus-Owanga 2017).

En étudiant à hauteur d’hommes les dynamiques culturelles de la globalisation, l’anthropologie a démontré que tout mouvement de déterritorialisation s’accompagne d’un processus complexe de reterritorialisation. Mais pour aller au-delà du simple constat de la diversité des formes d’appropriation locale, pour pouvoir décrire et analyser précisément ce processus de recontextualisation des flux globaux [1], nous pensons nécessaire d’ouvrir un chantier de réflexion comparative. Le hip-hop est un objet particulièrement intéressant pour penser ces dynamiques, et ce pour différentes raisons. Si l’histoire du xxe siècle nous a donné d’autres exemples de circulation et de réinvention locale de diverses formes esthétiques (Dorin 2012 ; Kelley 2012 ; Waxer 2013), la globalisation du hip-hop a pris une ampleur sans précédent. Si bien que nous pouvons aujourd’hui observer et comparer « les accents locaux » pris par le hip-hop aux quatre coins de la planète. Ce mouvement n’a par ailleurs pas mis en circulation que des formes esthétiques. Ses accents subversifs, sa qualité d’expression des minorités et sa critique des inégalités ont fait écho à des expériences diverses d’inégalités ethniques, sociales ou générationnelles. Cette dimension a été un puissant ressort d’identification. Mais l’idée même d’une essence « contestataire » du hip-hop [2] a été interprétée différemment en fonction des contextes où il est venu s’implanter et des besoins de ceux qui l’ont adopté. Le hip-hop a par ailleurs pu être cultivé de manière concomitante ou dans d’autres contextes selon de toutes autres logiques. Au Cameroun, c’est d’abord un désir de consommation et de plaisir qui s’est exprimé au travers de ce mouvement (Awondo et Manga">2016). Au Japon, il a permis l’expression d’une « culture de la première personne du singulier » qui est apparue comme relativement révolutionnaire dans un contexte où l’harmonie collective prime sur l’expression individuelle (Condry 2001). Le hip-hop a donc véhiculé une culture de résistance des minorités, valorisé une culture diasporique noire, comme une idéologie du self-made-man ou un certain rapport à la réussite matérielle. Sa diffusion ne s’est pas accompagnée d’un ensemble de valeurs univoque.

L’étonnante « transportabilité » du phénomène hip-hop associée à la variété de ses réinventions locales en fait un excellent analyseur de ce que nous proposons de définir comme une « situation globale ». Cette notion est construite en référence au concept de « situation coloniale » de Georges Balandier (1951 [3]), qui nous semble toujours riche d’enseignement (Copans 2001) pour approfondir d’un point de vue résolument anthropologique les dynamiques culturelles de la globalisation. Cette référence est en premier lieu une invitation à prendre en compte la longue histoire des phénomènes de mondialisation. Si la déconstruction de la notion de culture et de localité fut nécessaire à une génération d’anthropologues pour penser les transformations culturelles, sociales et politiques du monde qu’ils vivaient (Clifford et Marcus 1986 ; Gupta et Ferguson 1992), l’insistance sur les dynamiques de circulation et de flux a eu tendance à dissoudre l’idée même de société [4]. Or la diversité des logiques d’appropriation de ce qui circule reste incompréhensible dans le paradigme diffusionniste de ces théories. Il apparaît plus fructueux de penser dans la longue durée et de manière simultanée les dynamiques de circulation et de localisation.

Cette référence est en second lieu une invitation à repenser ce qui est souvent mal formulé en termes de « local » et « global ». Il nous semble important de ne pas considérer le « local » comme un monde préconstruit et stable avant que ne surgissent les forces de la globalisation, mais de l’appréhender dans la dynamique des relations et des échanges qui le constitue de longue date. Comme il semble important de ne pas considérer le « global » comme une force transcendante susceptible de formater les particularismes, mais plutôt comme un réseau d’images et de pratiques (Rosaldo et Inda 2007) et par conséquent de penser les articulations plutôt que d’opposer des échelles, sans renoncer pour autant à saisir les rapports de pouvoir et de domination au sein desquels des formes culturelles se réinventent constamment. Autrement dit, c’est la nature située de la globalisation qui nous semble pertinente à appréhender.

Dans cette perspective, ce numéro de la revue vise à comprendre la logique des négociations de sens à l’œuvre dans l’appropriation de formes culturelles globalisées, à partir d’études ethnographiques des mondes hip-hop. Nous privilégierons les études de cas s’inscrivant dans l’une des quatre thématiques suivantes, chacune correspondant à une modalité de l’appropriation culturelle.

1. Imitation

La notion d’imitation fascine depuis longtemps les sciences sociales et cognitives, notamment les précurseurs de l’ethnographie (Mauss 1936), mais elle n’a été que récemment mise au centre de la réflexion anthropologique (Dias 2005). Discutée dans le cadre des études sur la colonisation, notamment dans les situations des villes coloniales (Mitchell 1956), et analysée pour son rôle pilier dans le projet colonial lui-même (Saada 2005), l’idée d’imitation a été revisitée par le courant des études postcoloniales comme un lieu de parodie, de détournement et de subversion (Bhabha 1994).

Différentes études sur le hip-hop en dehors des États-Unis ont abordé cette dynamique d’imitation comme un ressort clef du processus d’adaptation du rap ou de la danse hip-hop dans de nouveaux espaces (McCarren (page consultée le 16 avril 2018).">2005, Milliot 2006, Condry 2006, Henderson 2006, Hammou 2012). Ici, nous chercherons à comprendre l’imitation, soit comme une étape, soit comme une modalité d’un processus d’appropriation culturelle. Ces mouvements peuvent en effet perdurer en tant que mouvements de style (Bollon 1990) ou se stabiliser en créant leur propre contexte référentiel ou en s’inscrivant dans différents mondes de significations. Il s’agira de décrire les logiques qui président aux premiers temps de l’identification et de l’appropriation. C’est en effet bien souvent sur le ressort du style davantage que sur des valeurs, du flow plus que du sens des mots, de l’attitude plus que du propos, qu’opère la dynamique d’identification et d’imitation. On s’interrogera dès lors sur ce qui est transmis et construit par le style, sur le sens et la portée des postures corporelles et des jeux d’apparence. Des discussions sur l’apprentissage par corps, l’importance des croisements de regards et des jeux d’apparence dans les dynamiques d’émergence culturelle seront particulièrement bienvenues.

2. Différenciation

Sahlins (2007), reprenant une intuition développée par Claude Lévi-Strauss en 1961, affirme que les changements engendrés par l’adoption de formes globales prennent la double apparence d’une assimilation et d’une différenciation. Les logiques de rejet d’éléments – esthétiques ou idéologiques – de formes culturelles importées peuvent être d’excellents analyseurs des mécaniques d’adoption et de refaçonnage culturels. Différents exemples soulignent comment l’indigénisation du hip-hop s’opère par le rejet de certaines pratiques, de certains signes ou de signifiants précis. Au Gabon, la figure de la rappeuse « bitch » qui affirme sa sexualité comme outil d’émancipation a longtemps été refusée localement, ou reléguée à d’autres figures musicales stigmatisées, en raison d’un contexte social d’absence de revendication féministe ou de remise en question des catégories de genre (Aterianus-Owanga 2017). Dans un autre contexte, celui du hip-hop cubain, c’est le militantisme noir des rappeurs américains qui a buté contre d’autres rapports de race : l’identité noire cubaine, toujours exprimée à l’intérieur des frontières du nationalisme anticolonialiste, n’a pu s’identifier à la blackness états-unienne (Fernandes 2003). Dans cet axe, nous serons attentives aux ethnographies étudiant comment le rejet explicite de certains éléments esthétiques ou idéologiques véhiculés par le hip-hop a contribué à produire de nouvelles localités [5]. Il sera intéressant de discuter, à partir d’études de cas, la manière dont ces connexions entre local et global peuvent entraîner des prises de conscience des différences comme des similitudes (en termes de conditions, de valeurs ou d’expériences).

3. Hybridation

L’hybridation peut être définie de manière très générale comme la manière selon laquelle des formes culturelles se détachent de contextes de pratiques et se recombinent avec de nouvelles formes et de nouvelles pratiques (Nederveen Pieterse 1994). Les anthropologues postmodernes ont utilisé ce concept pour caractériser les processus de création propres aux « zones de contact » où se rencontrent, se croisent et se confrontent les « cultures du voyage » (Clifford 1997) dans le monde contemporain, et pour mettre en lumière les pratiques de déplacement, de détournement inhérentes à l’appropriation culturelle et leur potentiel subversif (Bhabha 1994). Plutôt que l’idée de métissage, dont les origines restent liées à une métaphore biologique racialiste et à une conception essentialiste de la culture, la notion d’hybridité permet de développer une approche susceptible de tenir compte de la dimension politique de ces processus [6] et de la complexité de ces dynamiques culturelles. Ce choix résonne aussi bien avec les perspectives d’anthropologie politique que proposait déjà Balandier dans les années 1950 à propos des situations coloniales qu’avec les théories proposées sur la formation des contre-cultures en contexte postcolonial ou diasporique (Gilroy 1993 ; Bhabha 1994).

Ce concept d’hybridation peut être saisi comme une invitation à analyser les « espaces tiers » ou interstices que ces pratiques d’imitation et de réinvention ouvrent localement au cœur des rapports de domination. Il peut également être saisi comme une invitation à analyser l’actualité des circulations multidirectionnelles qu’autorisent les nouvelles technologies, circulations qui remettent en cause l’idée même d’un « centre » et d’une « périphérie » de la production culturelle. Alors que les questions de copie, de plagiat et d’appropriation culturelle sont objets de controverses récurrentes (Martin 2014), des études de cas éclairant la complexité de ces circulations et de ces controverses sur la propriété culturelle seront particulièrement bienvenues.

4. Englobement

En parlant d’englobement, nous appelons à considérer des opérations de digestion et de « resignification » de signifiants exogènes. Cette idée d’englobement fait en partie écho à des paradigmes précédents, développés dans le sillage des théories du syncrétisme, de l’anthropologie des religions afro-américaines et des phénomènes d’« acculturation » (Herskovits 1938 ; Bastide 2001 ; Mary 2010). Des décennies plus tard, et sur des terrains apparemment bien éloignés, les mondes du hip-hop globalisé donnent à voir des phénomènes similaires d’ingestion radicale de signifiants exogènes selon des logiques locales. Le registre religieux a offert des exemples évocateurs de ce phénomène : au Sénégal, Abdoulaye Niang a décrit l’imbrication du rap au sein du système des confréries musulmanes et de l’islam prédicateur, montrant comment le rap « missionnaire » mettait en tension des rapports générationnels et des questions religieuses (Niang 2014). À partir d’exemples tirés du domaine religieux ou d’autres champs, nous incitons les auteurs à montrer comment en parallèle des logiques d’hybridation et de différenciation, les acteurs qui s’emparent du hip-hop peuvent aussi en incorporer totalement l’esthétique à l’intérieur d’autres systèmes de significations. Les articles réfléchiront à la manière dont l’englobement de composantes exogènes génère des négociations de sens, entre l’incorporation d’esthétiques autres et la réinvention subtile des matrices culturelles existantes générée par cette « digestion » même.

L’analyse des processus et modalités d’appropriation des formes culturelles globalisées, par l’imitation, la différenciation, l’hybridation ou l’englobement, permettra d’approfondir, à partir d’études de cas, la réflexion sur les dynamiques culturelles contemporaines.

Nous privilégierons les approches fondées sur des descriptions denses (Geertz 1998). Les contributeurs pourront insérer dans leurs textes des liens vers des documents audiovisuels qui feront l’objet d’une analyse détaillée [7]. Nous invitons également les auteurs à mettre en œuvre une analyse réflexive des méthodes mises en pratique pour appréhender ces situations globales d’un point de vue ethnographique.

La revue encourage les auteurs à mobiliser du matériau multimédia et promeut de nouvelles formes d’écriture associant différents médias. Au besoin, des membres de notre comité de rédaction peuvent vous fournir une aide technique pour exploiter vos matériaux.


  • Les propositions d’articles (titre et résumé de 4 000 à 6 000 signes, références bibliographiques incluses) sont attendues pour le 15 septembre 2018. Elles présenteront de manière synthétique les situations ethnographiques étudiées et les principaux arguments de l’analyse. Elles doivent être envoyées, avec la mention « Hip-hop monde(s) » comme objet du message, assorties d’une notice bio-bibliographique de l’auteur(e), aux coordinatrices du numéro, Alice Aterianus-Owanga (, Olivia Killias ( et Virginie Milliot ( ainsi qu’à la rédaction de la revue (
    Les auteurs sont priés de suivre les consignes (note aux auteurs) accessibles sur la page
  • Les auteur(e)s seront informé(e)s des choix de propositions le 1er novembre 2018.
  • Les articles seront relus par le comité de rédaction ainsi que par des évaluateurs externes. Les textes définitifs (de 30 000 à 50 000 signes) devront être envoyés avant le 15 avril 2019.

Références bibliographiques

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